В 1911 и 1912 годах Карра посетил Париж, где познакомился с представителями кубизма. Методы сторонников этого направления оказали воздействие на последующее творчество художника. В духе кубизма исполнена композиция «Миланская галерея» (1912, собрание Маттиоли, Милан). Под влиянием кубистов Карра стал применять коллажи в сочетании с экспрессией, характерной для футуризма. Он закреплял наклейки и надписи на переднем плане картины, что позволяло сохранять устойчивость композиционного каркаса. Эти рамки сдерживали бурный натиск кипящей эмоциональности сюжета. Таковы работы «Демонстрация интервентистов» (1914, собрание Маттиоли, Милан), «Бутылка и стакан» (1914, частное собрание, Нью-Йорк).

В 1915 году Карра отошел от объединения футуристов. Его захватила манера «примитива» А. Руссо, а также изысканность итальянского Кватроченто. Художник начал поиски уравновешенной, строго организованной формы. В этот период он исполнил интересные композиции «Чудо-ребенок» (1915, частное собрание, Турин), «Композиция ТА» (1916, собрание Джукер, Милан). После тщательного изучения наследия старых итальянских мастеров Карра опубликовал основательные статьи в журнале «Ла Воче», посвященные творчеству Джотто и Уччелло.

К. Карра. «Метафизическая муза», 1917 год, собрание Джези, Милан

К. Карра. «Портрет Ф. Т. Маринетти», 1910–1911 годы

В 1916 году художник познакомился с Де Кирико, после чего примкнул к сторонникам метафизической живописи. Композиции 1917–1918 годов, как правило, изображают тесные и глухие интерьеры-коробки, где обитают манекены («Идол-гермафродит», 1917, собрание Маттиоли, Милан; «Метафизическая муза», 1917, собрание Джези, Милан). В 1920-х годах Карра преодолел стилистику метафизической живописи в соответствии с собственными творческими устремлениями. Он стал одним из сторонников направления новеченто, написал ряд жанровых картин и пейзажей — «Сельский уголок» (1927, частное собрание), «Маяк» (1928, Национальная галерея, Прага), «Заброшенный дом» (1930, Галерея Аннунчиата, Милан), «Рыбаки» (1935, Галерея современного искусства, Милан).

В 1930-е годы Карра стал сотрудником газеты «Амброзиано», опубликовал ряд искусствоведческих статей и успешно работал художественным критиком. Что же касается живописной манеры мастера, то она более не претерпела никаких изменений. В 1943 году вышла в свет автобиография мастера «Моя жизнь».

Кирхнер часто подписывал свои работы более ранними датами. Таким образом он хотел утвердиться в том, что является основоположником немецкого экспрессионизма. На самом деле его работы — это типичные образцы данного направления в модернизме. Например, знаменитая картина «Автопортрет с натурщицей» заполнена цветами насыщенными и почти вызывающе кричащими. Кажется, что рамки полотна чересчур узки для творческой мысли художника и он нарочито прибегает к сгущению цвета на границах композиции. И все же эта работа скорее демонстрирует интерес к чисто изобразительному, декоративному моменту. Кирхнер хочет показать, насколько красива цветовая поверхность и как привлекателен цветовой узор, составленный в хроматической гамме из красных, синих, зеленых и оранжево-желтых тонов.

Один из основоположников немецкого экспрессионизма, Кирхнер получил первоначальное образование в дрезденском Саксонском высшем техническом училище, где с 1901 по 1905 год обучался на архитектурном отделении. Параллельно, с 1903 по 1904 год, он посещал уроки живописи в мюнхенской Школе Обриста и Дебшица.

В 1905 году Кирхнер объединился с Хеккелем, Шмидтом-Ротлуфом и Ф. Блейлем. Эти художники стали организаторами группы «Мост», пропагандирующей метод экспрессионизма. Кирхнер стал безусловным идейным лидером группы. При его поддержке в Дрездене удалось открыть общую мастерскую. Каждое лето художники выезжали на этюды. Дрезденский период в творчестве Кирхнера отмечен интересом к женской натуре в мастерской или на лоне природы. Ранние работы свидетельствуют о несомненном влиянии французского постимпрессионизма и особенно Ван Гога, которого Кирхнер почитал. Как и его кумир, художник применял прерывистые разноцветные мазки, которые, сливаясь, образовывали подвижную колышущуюся массу. На этом фоне практически терялись контуры самой натуры. Таковы композиции «Женский профиль и подсолнухи» (1906, частное собрание), «Женщина в белом платье» (1908, частное собрание). Кроме того, в это время Кирхнер внимательно изучал искусство и быт народов Океании и Африки, что повлияло на появление в работах художника декоративных плоскостей и пересекающих их темных линий: «Две девушки» (1910, Художественный музей, Дюссельдорф), «Лежащая обнаженная перед зеркалом» (1910, Музей «Моста», Берлин).

В 1911 году группа «Мост» перебралась из Дрездена в Берлин. Полотна Кирхнера свидетельствуют о его интересе к жизни большого города. Теперь он часто изображает уличные сценки и наиболее характерные типы в городской толпе. Художник увлеченно пишет светских дам и щеголей, кокоток и бездельников, причем всем своим героям он, как правило, придает сатирическую гротескную окраску. Таковы композиции «Уличная сценка в Берлине» (1913, Музей «Моста», Берлин), «Женщины на улице» (1915, Музей фон дер Хейдта, Вупперталь), «Пять женщин на улице» (1913, Музей Валлраф-Рихартц-Людвиг, Кёльн). Фигуры тесно расположены в пространстве холста, и потому оно кажется зрителю сжатым до предела. Возникает впечатление уличной давки и толкотни. Контуры фигур неровные, они состоят из углов и этими углами перекрывают друг друга, расталкивают себе пространство в толпе.

Э. Кирхнер. «Автопортрет с натурщицей», 1907 год

Когда Кирхнер пишет городские пейзажи, они также показаны словно искаженными судорогой. В картинах этого жанра перспектива резко уходит вверх, благодаря чему улицы, набережные и площади смещаются, топорщатся и буквально вклиниваются друг в друга. В таком духе исполнены «Красная набережная Элизабет в Берлине» (1912, Государственная галерея современного искусства, Мюнхен), «Красная башня в Халле» (1915, Музей Фолькванг, Эссен). Подобную манеру письма искусствоведы называют жесткой, и она вполне объяснима в творчестве Кирхнера, поскольку буквально все участники «Моста» часто использовали ксилографию, приемы которой Кирхнер применял в своих живописных произведениях.

Э. Кирхнер. «Пять женщин на улице», 1913 год, Музей Валлраф-Рихартц-Людвиг, Кёльн

Такая же напряженность свойственна и работам Кирхнера, созданным в жанре портрета. Модели художника живут сложной и напряженной внутренней жизнью, что передается посредством изломанности контуров их фигур, беспорядочными, как бы наложенными в лихорадке мазками, а также внезапными всплесками яркого света («Художник Оскар Шлеммер», 1914, Музей земли Гессен, Дармштадт; «Автопортрет с бокалом вина» (1915, Германский национальный музей, Нюрнберг).